Arbeiten mit anderen (Auswahl)
// Kurator und Autor // Berlin
Neuntes Treffen der Diskussionskultur // Ein Versuch
an Kunst und Kultur
an aktuellen Fragestellungen
interessierte Menschen zusammenzubringen
Einmal mehr hat die Künstlerin Susanne Krell, wohnhaft in Neuruppin, am Sonntag, 23.Juni 2024,
in ihr Studio im Kulturhaus Stadtgarten zu einem offenen Gespräch im Rahmen ihrer Gesprächsreihe WASSER, BROT UND KUNST eingeladen.
Diesmal zu der provokanten Frage: Gab es Kunst in der DDR?
Diese Frage stellte der als Referent eingeladene CHRISTOPH TANNERT, ausgewiesener Kenner des
Kunstgeschehens in
der ehemaligen DDR und seit 1992 in der Leitung des renommierten Künstlerhaus Bethanien,
Berlin Kreuzberg. TANNERT führte mit einem Bild-Vortrag in das Thema ein und zeigte Beispiele
von ganz unterschiedlichen Positionen in der Kunstproduktion, entstanden im Kontext des diktatorischen
Regimes. Und es wurde offenbar, dass diese gar nicht immer so kontrolliert und
gelenkt war, wie man es sich im Westen vorstellte. An den von TANNERT ausgewählten Bildern
wurde vermittelt, dass es auch Freiräume gegeben hat, in denen sich eine Vielfalt oppositioneller
Kunst entwickelt hat. Besonders ablesbar wurde dies am Frauenbild, das von einer mythischen
Überhöhung bis zum Folklorehaften und Abstrakten reichte.
Hervorgehoben hat TANNERT die Bedeutung des Kunstverbandes der DDR, der nicht nur die
assoziierten Künstler unterstützte, sondern auch jene veröffentlicht hat, die eine eigene aber
interessante impulsgebende Position vertreten haben. Kunstschaffende waren sichtbar und für die
erzieherischen und propagandistischen Intentionen unverzichtbar, das Regime glänzte gern mit
einer anspruchsvollen und verschlüsselten Kunst. Manchem Künstler gefiel das auch „Ich fühle
mich in Grenzen wohl“, bekannte Stefan Döring emphatisch und wurde deshalb geduldet als
origineller Vertreter einer DDR-Untergrundliteratur und -Kunst.
TANNERT, 1955 in Leipzig geboren, bezeichnet sich selbst als aufmerksamen Zeitzeugen einer
legendären Ära des Kunstschaffens nach 1945 bis zur Maueröffnung 1989 in der ehemaligen
DDR. Heute wissen wir, dass sich eine Vielzahl von nicht staatstragender Kunst entwickelt hat und
viele Künstler - je näher die Maueröffnung rückte - sich unauffällig von einem verordneten
Ausdrucks- und Themenzwang befreiten. So malte Willi Sitte noch 1968 den „Chemiearbeiter am
Schaltpult“ , so offenbarte er Jahre später, dass er nicht mehr dem System dienen wolle und
entwickelt ein selbstbestimmtes Oeuvre. Trotzdem wurde diese Art der Selbstbestimmung nicht
von allen verstanden, Zeit seines Wirkens wurde Sitte das Stigma des angepassten politischen
Künstlers nicht los und galt als umstritten. Ein beispielhaftes Dilemma für einen Künstler, der
versucht hat, Herkunft und höchsteigene Sprache zu transformieren, um nach eigener Wahl
zu arbeiten und sich durch einen anderen systemrelevanten Raum weiterzuentwickeln.
Andere Künstler hingegen schafften es, ihre eigenen (wenig kontrollierten Wege) zu gehen.
Mit speziellen Präsentationsformen etwa in privaten Wohnungen, Künstlerbüchern, mit Auftragsarbeiten
für den öffentlichen Raum. Achim Freyer stellte einmal in einem physikalischen Institut
aus, denn offizielle Galerien gab es recht wenig und privaten Kunsthandel schon gar nicht.
Am auffälligsten erfuhr man von Via Lewandowsky, wie er den zurückgehaltenen Antrieb zur
Selbstbestimmung selbstbewußt nach der Wende transformierte. Noch kurz vor der Wende zeigte
er in einem Doppelbild die totale Stillstellung einer Figur, ein Schlüsselbild seiner damaligen
künstlerischen Postion, das den zeitlich angelaufenen Innen-Druck symbolisierte.
An der Entwicklung von Cornelia Schleime lässt sich erkennen, wie gespeicherte hohe
Aufgeladenheit zu neuen Formen künstlerischen Schaffens führt. Ausgehend von bewegten
Formen befreiender Selbstverletzung malt sie heute großformatige starkfarbige Frauen-Bilder,
in der Galerie Judin, Berlin ausgestellt, einen weiblichen Kopf mit dem vielsagenden Titel „Ohne Lippen sind
die Zähne kalt“. Cornelia Schleime ist beispielhaft für eine DDR-Künstlerin, die aus der Enge des
Systems in eine höchsteigene Bildsprache wechselnd uns zum Staunen veranlasst hat.
Im begleitenden Gespräch der engagierten ZuhörerInnen wurden verschiedene Positionen der
Einschätzung formuliert: dass es gerade Einschränkung und Kontrolle waren, die zu einem hohen
Kunstwillen geführt haben, zu experimentellen Versuchen und Selbstverletzungen. Es wurde auch
gesagt, dass die verordnete künstlerisch ausgefeilte Ausbildung zwar Grundlehre mit hohem
technischen Anspruch war, aber diese dennoch das Kunstschaffen zu Einschränkungen und
Einseitigkeiten geführt hat, zu einer Vernebelung der Realität vor lauter technischem Können.
Letztlich spielten Zeiträume eine große Rolle, denn nach vielen Jahren des Aushaltens und
untergründigen Machens war man 1989 reif für einen Bruch, für einen neuen und intensiven
subjektiven Ansatz, einmal endlich die gespeicherten Wahrnehmungen umzusetzen und in
Kunstproduktionen flüssig zu machen. In Momenten wurde den Anwesenden begreifbar:
das System der DDR hat dazu beigetragen, excellente und solide Kunst hervorzubringen,
aber besonders in der Zeit nach der Wende, als das Verborgene frei werden, sich öffnen konnte,
wurden explosive Weiterentwicklungen auf dem Boden des Vergangenem erkannt und
überrascht registriert.
Dieser Nachmittag wurde zum lebendigen politischen Debattenraum über Kunst. Wieder einmal
zeigte sich, dass „live“ dazu geschaffen ist, differenziert, transparent und vor allem offen zu
sprechen und sich auszutauschen. Nicht zugespitzt und knapp wie im digitalen Raum.
Direkter und offener Austausch durchwebt mit subjektiven Redebeiträgen über Kunst ist und bleibt
einfach unschlagbar. Danke an Susanne Krell, die immer wieder versucht mit ihren Initiativen,
Menschen für das weit gespannte Netz der Kunstproduktion zu interessieren und darüber zu
sprechen. So kommen wir weiter.
Text: Ingrid Lucia Ernst
26.Juni 2024
Weitere Veranstaltungen dieser Reihe sind in Vorbereitung:
Haben Sie Interesse und den Wunsch daran teilzunehmen?
Dann schicken Sie bitte Ihre E-Mail Adresse an
susannekrell@t-online.de
und Sie erhalten aktuelle Informationen zu meinen Veranstaltungen in Neuruppin.
Rückschau WASSER BROT UND KUNST 1 - 8
.
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// Bildender Künstler // Mitgründer der HERZATTACKE
Achter Abend der Diskussionskultur // Ein Versuch
an Kunst und Kultur
an aktuellen Fragestellungen
interessierte Menschen zusammenzubringen
War da was am legendenumwobenen 29. des Monat Februar in
Neuruppin? Ja, da war was:
Im Vorderhaus des Kulturhaus Neuruppin gleich beim Rheinsberger Tor gelegen
fand im Atelier der Künstlerin Susanne Krell ein Abend der besonderen Art
statt. Rund um einen großen Tisch mit frisch aufgeschnittenem Brot, mit
Wasserflaschen unterschiedlicher Konsistenz und vielen Gläsern saß eine lebhafte
und interessierte Gesellschaft. Fontane hätte seine Freude daran gehabt. Denn so
viele waren gekommen, aus Neugierde oder mit dem Wunsch, einmal mehr zu den Themen
der Kunst zu erfahren und vor allem zu sprechen und sich dabei kennenzulernen.
Susanne Krell hatte zu ihrem achten Abend in der Reihe WASSER, BROT
und KUNST geladen, die den Gesprächen über Kunst, Kunstmachen und Kunstgenießen
und vor allem zu einer leibhaftigen Vorstellung eines von Susanne Krell
eingeladenen Gastes und dessen Arbeit gewidmet sind. Diesmal war es der Künstler
MIKOS MEININGER, der seit 2006 in Potsdam lebt und arbeitet, wo er 2009
gemeinsam mit dem Bildhauer und Musiker Chris Hinze das Kunsthaus sans
titre gegründet hat.
MIKOS MEININGER zog nach einer Ausbildung als Plakatmaler nach
Ost-Berlin und begann 1987 im subkulturellen Künstlerkreis um Maximilian
Barck zu arbeiten.
Charakteristisch für den Kreis war das Künstlerbuch,
u.a. die bibliophile Literatur- und Kunstzeitschrift HERZATTACKE.
In kleinen Auflagen produziert, boten sich hier in der DDR nicht
„lizenzpflichtige“ künstlerische Freiräume. Beteiligte Autoren
und bildende Künstler waren beispielsweise Lothar Böhme, Johannes Heisig,
Elke Erb, Durs Grünbein, Strawalde und viele andere.
1989 begann MIKOS MEININGER ein Grafikdesign-Studium in Berlin.
Seit der erfolgreichen Ausstellung Junge Kunst aus Berlin
Ost in der Galerie Kostka in Paris im April 1990
arbeitete MIKOS MEININGER freischaffend als Maler und Grafiker in Berlin
und dann in Potsdam. Sein Werk umfasst Druckgrafik, oft für aufwändige Künstlerbücher zu
befreundeten Schriftstellern, ungegenständliche Malerei und figurbetonte Plastik
im Bronzeguss und anderen Materialien.
Es zeigte sich, dass Mikos Meininger, wohl beflügelt durch die behutsame
Art von Susanne Krell ihn vorzustellen, sich wunderbar öffnete und von sich
und seiner Arbeit erzählte: Wie das Material für ihn eine so große Rolle spielt
bei der Ideenfindung, wie er manchmal dem Tun seiner eigenen Hände zuschaut,
wie er Objekte entwickelt, die sich quasi als surreale Kommentare zur Wirklichkeit
ausnehmen. Er sprach so unprätentiös und lebendig von seinem Schaffen und zog damit
die Zuhörer mehr und mehr in seinen Bann.
Das anschließende Gespräch über Sinn und Zweck der Kunst und des
künstlerischen Schaffens entwickelte sich mit vielen Beiträgen unverstellt und
spontan und mündete in ein gemeinsames Nachdenken über Kunst und ihre Wahrnehmung
bis hin zu der Frage, welche Eigenschaften überhaupt grundlegend und berechtigt
sind, dass Kunst entsteht und wie diese zu fördern sei. Selten genug über eine
solche Frage nachzudenken. Der erstaunliche Gesprächsfluss führte bis zu Schillers
Gedanken zur ästhetischen Erziehung, also dahin wo der Mensch spielt, frei
von Notwendigkeit und Pflichten. Herausgekommen ist am Ende ein in sich gewundenes
und starkes Tischgespräch, ein Art Grundlagengespräch zur Kunst, das durchaus
noch länger hätte dauern können.
Hier noch eine kurze Retrospektive zu den vorangegangenen Veranstaltungen:
Die erste fand im Januar 2015 KUNST UND ERINNERUNG statt - mit Dr.
Helmut Herles, ehem. Chefredakteur des Generalanzeigers Bonn,
danach folgten im Juli 2015 KUNST UND RELIGION - Dr. Guido Schlimbach,
Kunststation Sankt Peter Köln, im März 2016 KUNST UND ARCHIV - Dr. Claudia
Kauertz, damals Leiterin des LVR-Archivberatungs- und Fortbildungszentrum (LVR-AFZ),
Pulheim-Brauweiler, dann im Mai 2017 KUNST UND VERBINDEN - Dr. Dieter Ronte,
ehem. Leiter des Kunstmuseum Bonn und im April 2018 KUNST UND GEDÄCHTNIS - Dr.
Gabriele Uelsberg, damals Leiterin des LVR-LandesMuseum Bonn.
Seit 2021 lebt und arbeitet die Künstlerin Susanne Krell in Neuruppin
und hier entwickelt sie auch die Reihe weiter, jeweils in ihrem Atelier als
Gastgeberin, bisher mit der Jenarer Kunsthistorikerin Dr. Anne-Katrin Hinz ,
Universität Bonn zum Thema KUNST UND ORTE und dem Neuruppiner Lehrer, Heizer,
Aktivist und Politiker, DJ und Schinkelpreisträger Wolfgang Freese
zum Thema KUNST UND AUFBRUCH und zuletzt mit Mikos Meininger, Kunstmacher
und Kunstfördernder zu KUNSTMACHEN UND FÖRDERN.
Text: Ingrid Lucia Ernst
Weitere Veranstaltungen dieser Reihe sind in Vorbereitung:
Haben Sie Interesse und den Wunsch daran teilzunehmen?
Dann schicken Sie bitte Ihre E-Mail Adresse an
susannekrell@t-online.de
und Sie erhalten aktuelle Informationen zu meinen Veranstaltungen in Neuruppin.
Rückschau WASSER BROT UND KUNST 1 - 8
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Anna Tyczyńska / Poland | Susanne Krell / Germany - eine Raumarbeit in:
CONVERSATIONS 2 - A FANTASTIC JOURNEY ACROSS MANY BORDERS, LANGUAGES AND CULTURES
CONVERSATIONS 2 -
A FANTASTIC JOURNEY ACROSS MANY BORDERS, LANGUAGES AND CULTURES
With artists from Poland, the Czech Republic, Georgia, Ukraine, Germany, Italy,
Portugal, Serbia and Israel
Gallery MBWA, Leszczyńskich 5, 64-100 Leszno / Poland
20.10. -18.11.2023
Anna Tyczyńska and I met a few years ago during an artist residency in France.
Since then we have maintained our relationship and started working together in the
field of art. For the Conversations 2 project, we explored the theme of BORDERS.
The result is a joint multi-part installation work: projection, wall drawing and audio,
an embroidery on fabric, photos, drawings and many many questions.
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// Lehrer, Heizer, Aktivist und Politiker, DJ und Schinkelpreisträger 2022
Siebter Abend der Diskussionskultur // Ein Versuch
an Kunst und Kultur
an aktuellen Fragestellungen
interessierte Menschen zusammenzubringen
Am 25. Januar 2023 fand der siebte Abend in der Veranstaltungsreihe wasser brot und kunst im Susanne Krell Studio im
Neuruppiner Kulturhaus Stadtgarten statt. Zu Gast dieses Mal Wolfgang Freese | Lehrer, Heizer, Aktivist und Politiker, DJ
und Schinkelpreisträger 2022. Vor allem aber sieht er sich als einen der drei Gründer des JFZ (Jugend Freizeit Zentrum)
Neuruppin. Dessen Gründung fand in den Räumen des Kulturhauses Stadtgarten statt. In einem dieser Räume ist heute das
Atelier von Susanne Krell.
Es wurde eng in Susanne Krells Atelier. Zahlreiche Interessierte waren gekommen, um den Erzählungen Wolfgang Freeses
zu lauschen und mit ihm ins Gespräch zu kommen.
Seit der erfolgreichen friedlichen Revolution in der DDR versteht Wolfgang Freese sich als 89iger. Mit seinen Erfahrungen
als ehemaliger Bürger der DDR, in der Zentralismus, Diktatur und politische Willkür herrschten, erlebte er eine Zeit des
Aufbruchs auch in dem Raum, in dem die Veranstaltung stattfand. Es ist ein Ort der Erinnerung, des Gedächtnisses, der
Geschichte für viele Menschen in Neuruppin.
Immer wieder ist es eine Freunde Wolfgang Freese zuzuhören. Die Begeisterung, mit der er in den 80iger Jahren scheinbar
Unmögliches mit Aktivität und Tatkraft umgesetzt hat, ist immer noch präsent. Wie aus einer fernen Welt kommen die Anekdote
rüber, die sich um den Erwerb seiner Spielerlaubnis als „staatlich geprüfter Schallplattenunterhalter“ (liebevoll Pappe genannt.
Seit den X. Weltfestspielen der Jugend und Studenten 1973 in Ostberlin, versuchte sich die DDR als moderner Staat darzustellen,
indem u.a. auch Voraussetzungen für die Arbeit von DJ geschaffen wurden. Als Folge davon war jede Gemeinde (in der Theorie)
verpflichtet, den Jugendlichen einen Klub, zumindest aber einen Raum zur Verfügung zu stellen. Als die Räumlichkeiten im
Rosengarten den Jugendlichen nicht mehr zur Verfügung standen, sahen Wolfgang Freese und 2 Mitstreiter die Chance, etwas
einmaliges auf die Beine zu stellen. Ohne Auftrag erarbeiteten sie ein Konzept (einschließlich Kostenvoranschlag) für
einen Jugendklub im Stadtgarten. So etwas hatte es bis dato in der DDR noch nicht gegeben und noch unvorstellbarer: es
wurde genehmigt, nachdem sich eine bunte Mischung von 80 bereit erklärt hatten, das Vorgeschlagene auch umzusetzen, bis
nach kollektiver Arbeit am 30 April 1983 das JFZ eröffnet werden konnte. Dass eine der ersten Veranstaltungen ein Kongress
zur Sozialistischen Fest und Feiergestaltung war, bei der die Jugendlichen zum Kartenabreissenund an der Garderobe Dienst
leisten sollten, hat die Stimmung zwar getrübt, konnte den Erfolg jedoch nicht verhindern.
Der sozialistische Alltag wurde häufig klug umschifft, beispielsweise als wegen vermeintlicher Einsturzgefahr der Decke
das Tanzen untersagt wurde -hier half ein auf freundliche Weise von der Berliner Bauakademie erstelltes Gegengutachten- oder
ein Artikel im legendären Eulenspiegel, der ebenfalls auf durch Initiative und das Glück im rechten Moment die richtige Peron
zu treffen, zustande kam.
Von den vielen Sternstunden, die in den Räumen des jetzigen Ateliers stattfanden seien nur einige erwähnt: eine ungewöhnlich
offen geführte Debatte mit Funktionären Ende 1988, Jazzsängerin Pascal von Wroblewsky weint vor Glück über ein ungewöhnlich
schönes Konzert auf dem Sofa (da wo heute das Materialregal steht), Rosenstolz spielt vor der Balkontür vor 20 Zuhörern
(wenig später spielten Sie vor 30.000).
Stets ausverkaufte Konzerte mehrten den Ruhm des JFZ als Eldorado der (lauten) Musik, so dass die Vorpremiere des 1988 von
der DEFA produzierten Rockreports "flüstern & SCHREIEN" im Kinosaal stattfand.
Wolfgang Freese ist jedoch nicht nur JFZ, viele Stationen seines bewegten Lebens mussten (leider) unerzählt bleiben.
Diese und tangierende Fragen wurden lebhaft diskutiert wie in den vorangegangenen Veranstaltungen in Aegidienberg/Rheinland.
Der ersten im Januar 2015 mit Helmut Herles folgten im Juli 2015 Guido Schlimbach, im März 2016 Claudia Kauertz, dann im Mai 2017
Dieter Ronte und im April 2018 Gabriele Uelsberg. 2021 ist die Veranstaltung zusammen mit der einladenden Künstlerin Susanne Krell
nach Neuruppin umgezogen. Die erste Eingeladene hier war die Kunsthistorikerin Dr. Anne-Katrin Hinz Bonn/Jena. Weitere
Veranstaltungen sind in der Planung.
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Eine Installation von Susanne Krell und Bürger:innen von Krangen
Ein Gedanke – SchinkelKircheKrangen
LandKULTUR | Kunst am Anger | für die Ortsteile von Neuruppin | Ein Mittelpunkt |
22.- 30. Oktober 2022
Material:
Frottage der SchinkelKircheKrangen | gedruckt auf Papier |
Gestaltung der offenen Mitte durch Krangener Bürger:innen | verschiedene Techniken |
Format:
Ortsbezogen
Gebäude, Mauern und Plätze sind Orte, sind Speicher der Erinnerung. Durch Frottagen halte ich
die Oberfläche der Orte fest und damit die darunterliegende Idee. Das ist mein Arbeitsmaterial.
Die Schinkelkirche steht im Zentrum des Ortes Krangen, ist sichtbare Mitte, ist Mittelpunkt
des Rundangerdorfes.
Ist die Kirche für Menschen in Krangen wichtig, eine Art Mittelpunkt in ihrer Situation?
Ich stellte die Frage:
Was ist für Sie / für Euch ein Mittelpunkt?
An der Kirche in Krangen habe ich eine Spur abgezeichnet und diese auf ein Zeichenblatt gedruckt.
In der Mitte des Blattes ist eine offene Stelle, ein Kreis, unbeschrieben. Jede:r Krangener:in bekam
ein Blatt.
Wir wünschten uns einen Gedanken, eine Gestaltung der Mitte des Blattes durch ein Wort, ein Foto,
Skizze, Begriff, Zeichnung, Text, Collage, getrocknete Pflanze oder was sonst in die Mitte passt und
baten um Rückgabe des Blattes.
Aus den erhaltenen Blättern entstand ein Bild, eine Installation in der SchinkelKircheKrangen.
Eine Präsentation der Installation erfolgte im Rahmen der 625-Jahr Feier von Krangen.
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Eine Aktion mit Neuruppiner Passant:innen an der historischen Stadtmauer
HEREINSPAZIERT 14.Mai 2022
Angefangen hat es mit der Idee von Uta Bartsch, eine Künstlerin mit in ihre
Veranstaltungsreihe "Hereinspaziert (an der Mauer)" aufzunehmen. Sie fragte bei mir
an und ich sagte gerne zu, obwohl ich weder Garten noch Hof besaß, deren temporäre
öffentliche Zugänglichkeit normalerweise das Programm ausmacht. Mich fasziniert, seit
ich Neuruppin kennenlernte, diese allumfassende Backsteinmauer mit ihrer wechselvollen
Geschichte und den sich stetig ändernden Funktionen.
So stellte ich einen Tisch an die Mauer, bereitete Zettel und Stifte vor in der Absicht,
die vorbeikommenden Passant:innen nach Ihren Assoziationen zur (Neuruppiner) Mauer zu befragen.
Überraschenderweise war die Neugier, das Interesse und die Bereitschaft der Menschen so groß, dass
ich meine Zettel nachdrucken lassen musste. Am Ende waren es 49 spannende, schriftlich festgehaltene
Gedanken, Stellungnahmen und Kommentare. Niemanden ließ diese Mauer kalt.
Tisch, Stuhl, Zettel, Stifte, Holz-Installation, Gedanken-Blätter, Reißnägel
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// Kunsthistorikerin an der Universität Bonn / Jena
Sechster Abend der Diskussionskultur // Ein Versuch
an Kunst und Kultur
an aktuellen Fragestellungen
interessierte Menschen zusammenzubringen
Am Samstag der Offenen Ateliertage fand der sechste Abend in der Veranstaltungsreihe
wasser brot und kunst im Susanne Krell Studio im Neuruppiner Kulturhaus Stadtgarten
statt. Dr. Anne-Katrin Hinz, Kunsthistorikerin an der Universität Bonn stand
nach einigen einführenden Worten einer Diskussion zur Verfügung. Diesmal war das
Thema Kunst und Orte. Die Eingangsfrage war das Verhältnis von Kunst und Ort oder Orten;
von Orten und Kunst und der KunstORT, also das Atelier, das Museum, der öffentliche
Raum und Ähnliches.
Ganz grundlegend gesprochen ist ein Ort etwas Stabiles, etwas Unbewegtes, vielleicht
ist er auch nur ein Punkt. Orte haben unterschiedliche Funktionen: sie trennen, sie
vereinen, sie dienen der Begegnung, dem Flüchtigen, dem Anonymen, der Erinnerung, sie
dienen dem Durchgang, dem Transit.
Auch in der bildenden Kunst hat der Ort eine spezielle Funktion: Kunst benötigt
einen räumlich definierten Ort, um in Erscheinung zu treten. Das kann, wie wir heute
an verschiedenen Formen der zeitgenössischen Kunst sehen, auch ein virtueller Raum sein. Traditionell handelt es sich dabei aber um einen physischen Ort. Dieser Erscheinungsort von Kunst wird wiederum von anderen Orten abgegrenzt, z. B. in dem er, wie das Museum, spezifisch für die Präsentation von Kunst geschaffen wurde, oder wie das Atelier als Ort der künstlerischen Produktion definiert wird.
Gerade das Atelier ist ein besonderer Ort der Kunst. Es ist ein Ort der
künstlerischen Praxis, an dem Ideen umgesetzt werden und das meist unter Ausschluss
der Öffentlichkeit. Aber das Atelier ist – und das sehen wir heute und an diesem
Wochenende im Rahmen der Offenen Ateliers – auch ein sozialer Raum, an dem Besucherinnen
und Besucher, Auftraggeberinnen und Auftraggeber, Sammlerinnen und Sammler, andere
Künstlerinnen und Künstler empfangen werden und einen Einblick in die künstlerische
Praxis erhalten. Trotz dieser zeitweiligen Öffnung bleibt das Atelier wie so viele
andere Räume ein abgegrenzter und teils auch verschlossener Ort. Dieses Definieren
und Abgrenzen eines Ortes ist ein fundamentaler kultureller Akt.
In einigen ortsbezogenen Kunstwerken geht es immer auch um eine Benennung und
ein Aufzeigen von An- und Abwesendem. Das heißt, es werden im Werk Dinge mitgedacht,
die wir sehr wahrscheinlich an dem physischen Ort, auf den sie verweisen oder an dem
sie auch entstanden sind, nicht sehen können. Dennoch haben sie (diese Dinge
unterschiedlichster Art – soziale, historische etc.) die Funktion und die Erscheinung
des Ortes bestimmt.
Um diesen Aspekt des An- und Abwesenden zu verdeutlichen, bietet sich wohl das
Beispiel der Denkmäler oder Mahnmale an. Sie erinnern an einem bestimmten Ort, der z.
B. historisch determiniert sein kann, an eine Person oder Ereignis der Vergangenheit.
Aber häufig werden wohl die Spuren des Ereignisses, an das erinnert wird, nicht
sichtbar sein. Und auch die Erinnerung an eine Person wird häufig auf nicht mehr
greifbare oder nicht unmittelbar präsente Taten verweisen oder auch auf Verdienste
ideeller Art zielen.
In der Diskussion wurde der Ortsbegriff noch weiter präzisiert. Beginnend mit der
Vorstellung, wie Neuruppin ausgesehen haben mag, bevor sich dort Menschen angesiedelt
haben, mitten im Wald? War Neuruppin damals schon ein Ort? Oder erst nach dem ersten
Spatenstich? Es kam sogar die Idee auf, in einer Kunstaktion -ähnlich wie es Künstler
bereits gemacht haben, die alte Ansichten auf neue Häuser projiziert haben- den Wald,
der der Siedlung Platz machen musste auf die Fassaden zu projizieren. Könnte das
unseren Blick auf den Ort verändern?
Unweigerlich kam das Gespräch angesichts der im Susanne Krell Studio ausgestellten
33-teiligen Arbeit Lviv Ukraine 2019, reinterpreted -angereichert durch Schilderungen
der Künstlerin von ihrem Arbeitsaufenthalt dort- die Frage auf, wie kann Kunst dazu
beitragen, Kultur dem Verschwinden und Vergessen zu entziehen. Auf dem Schlachtfeld
von Jena und Auerstedt haben die Künstler*innen Janet Cardiff und George Bures Miller
einen Audiowalk entwickelt, der authentisch, ja fast schon beeindruckend nahbar das
grausame Schlachtgeschehen vermittelt. Christos Verpackungen -bespielsweise des
Berliner Reichstags- sind ein treffendes Beispiel, wie die Aufmerksamkeit auf einen
Ort gelenkt wird. Können sich die Betrachter überhaupt bewusst machen, wie es unter
der Plane aussieht, erinnern wir uns an Gebäude, die plötzlich durch Abriss unserem
Blick entzogen werden, können wir uns noch orientieren, wenn wie im letzten Jahr
weite Waldflächen abgeholzt werden, unser seit langer Zeit gespeichertes Bild des
Ortes fundamental verändert wird.
Diese und tangierende Fragen wurden lebhaft diskutiert wie in den vorangegangenen
Veranstaltungen in Aegidienberg/Rheinland. Der ersten im Januar 2015 mit Helmut Herles
folgten im Juli 2015 Guido Schlimbach, im März 2016 Claudia Kauertz, dann im Mai 2017
Dieter Ronte und im April 2018 Gabriele Uelsberg. Jetzt ist die Veranstaltung zusammen
mit der einladenden Künstlerin Susanne Krell nach Neuruppin umgezogen.
Weitere Veranstaltungen sind in der Planung.
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Ein Versuch
an Kunst und Kultur
an aktuellen Fragestellungen
interessierte Menschen zusammenzubringen
wasser brot und kunst
Nach einem Impulsvortrag von namhaften Kunsttheoretiker:innen zu einem bestimmten Thema Kunst und * wird das Gespräch
mit den Gästen gesucht.
Der Eintritt ist frei und der Veranstaltungsort steht allen Interessierten offen.
Rückschau wasser brot und kunst 1 - 8
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rhein+artig im Künstlerforum Bonn
Ausstellungsprojekt der Künstlergruppe rhein & artig
Thema
Punkt 19:14 | es macht mich wahnsinnig
Ort
Künstlerforum Bonn
Termin
16.03. bis 6.04.2014
Konzeption
Ein installatives Ereignis definiert die Ausstellung und zeigt auf einer Metaebene die
damalige Begeisterung auf. Ein Umschlag der Stimmung wird durch eine Brechung der Situation
angestrebt.
Aus den historisches Ereignissen von 1914 wird ein signifikantes Thema gefiltert und ins
Bild gesetzt: der Mythos Zeppelin.
Ein Initiator, Graf Zeppelin hatte die Idee zu einem Luftschiff und übernimmt Entwicklung
und die finanziellen Kosten. Ein Zeppelin nach dem anderen geht kaputt, trotzdem ist die
Begeisterung riesig, Spenden, Lotterie, Arbeiter verzichten auf Lohn, Materialspenden,
Hilfsbereitschaft örtlicher Bauern bei Notlandung usw. Zitat: ...hätte nicht einer der
zahlreichen Zuschauer spontan eine Spendenaktion gestartet, die eine beispiellose Welle der
Hilfsbereitschaft im ganzen Land auslöste, so wäre es das wirtschaftliche Aus gewesen. So kam
aus der Zeppelinspende des deutschen Volkes die eindrucksvolle Summe von 6.096.555 Mark zustande,
ermöglichte die Luftschiffbau Zeppelin GmbH zu gründen und eine Zeppelin-Stiftung ins Leben zu rufen.
Stichworte
Die Begeisterung eines Einzelnen steckt an, das deutsche Volk beteiligt sich, dann übernimmt das
Militär..., der Taumel der Ereignisse (Euphorie und Masse). Die Verführung. Fliegen als Menschheitstraum usw.
Auf einer zweiten Ebene die Konfrontation, der Bruch: Erfahrungsfelder, in denen der Besucher mit
künstlerischen Installationen konfrontiert wird, die ihn auf existenzielle Fragen zurückwerfen.
Ausstellungsarchitektur und Bildelemente führen die BesucherInnen in ein Bild- und Erfahrungsfeld,
in dem vor allem eine die Existenz befragende Atmosphäre entsteht, ein Ort des Auf-sich-allein-gestellt-Seins.
Reflektierende Momente und eine kritische Atmosphäre.
Stichworte: Perspektivwechsel, Existenzangst, Daseinsprüfung, Zuspitzung eines Entscheidungskonfliktes,
Selbstkonfrontation
Die Ausstellung soll inhaltlich aus zwei Ebenen bestehen: große installative Arbeit und Bruch
Das Thema soll in eine künstlerische Form gefasst werden. Keine Geschichtsaufarbeitung.
Mögliche Mittel: große installative Arbeit, Schrift, Plakate, Reproduktionen, Plots, Videoprojektion,
Foto, Sound, Licht, Crowdfunding, Performance BoKomplex
Es gehört zum Selbstverständnis der Gruppe in einem Themenkreis zu forschen und daraus eine
gemeinsame Konzeption zu entwickeln, die dann als vielfältige Installation realisiert wird. Konsequent im Team
zu arbeiten ist bereits seit einigen Jahren die Strategie von rhein &artig und wird hier fortgesetzt. Es werden
keine Einzelpositionen der Mitglieder gezeigt.
Generalanzeiger Bonn 30.03.2014
Webseite rhein & artig
Aus den historisches Ereignissen von 1914 wird ein signifikantes Thema gefiltert und ins Bild gesetzt: der Mythos Zeppelin.
Ein Initiator, Graf Zeppelin hatte die Idee zu einem Luftschiff und übernimmt Entwicklung und die finanziellen Kosten. Ein Zeppelin nach dem anderen geht kaputt, trotzdem ist die Begeisterung riesig, Spenden, Lotterie, Arbeiter verzichten auf Lohn, Materialspenden, Hilfsbereitschaft örtlicher Bauern bei Notlandung usw. Zitat: ...hätte nicht einer der zahlreichen Zuschauer spontan eine Spendenaktion gestartet, die eine beispiellose Welle der Hilfsbereitschaft im ganzen Land auslöste, so wäre es das wirtschaftliche Aus gewesen. So kam aus der Zeppelinspende des deutschen Volkes die eindrucksvolle Summe von 6.096.555 Mark zustande, ermöglichte die Luftschiffbau Zeppelin GmbH zu gründen und eine Zeppelin-Stiftung ins Leben zu rufen.
Auf einer zweiten Ebene die Konfrontation, der Bruch: Erfahrungsfelder, in denen der Besucher mit künstlerischen Installationen konfrontiert wird, die ihn auf existenzielle Fragen zurückwerfen.
Ausstellungsarchitektur und Bildelemente führen die BesucherInnen in ein Bild- und Erfahrungsfeld, in dem vor allem eine die Existenz befragende Atmosphäre entsteht, ein Ort des Auf-sich-allein-gestellt-Seins. Reflektierende Momente und eine kritische Atmosphäre.
Stichworte: Perspektivwechsel, Existenzangst, Daseinsprüfung, Zuspitzung eines Entscheidungskonfliktes, Selbstkonfrontation
Die Ausstellung soll inhaltlich aus zwei Ebenen bestehen: große installative Arbeit und Bruch
Das Thema soll in eine künstlerische Form gefasst werden. Keine Geschichtsaufarbeitung.
Mögliche Mittel: große installative Arbeit, Schrift, Plakate, Reproduktionen, Plots, Videoprojektion, Foto, Sound, Licht, Crowdfunding, Performance BoKomplex
Es gehört zum Selbstverständnis der Gruppe in einem Themenkreis zu forschen und daraus eine gemeinsame Konzeption zu entwickeln, die dann als vielfältige Installation realisiert wird. Konsequent im Team zu arbeiten ist bereits seit einigen Jahren die Strategie von rhein &artig und wird hier fortgesetzt. Es werden keine Einzelpositionen der Mitglieder gezeigt.
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rhein+artig im Künstlerforum Bonn
Ausstellungsprojekt der Künstlergruppe rhein & artig
Thema
frühschwimmer
Ort
Künstlerforum Bonn
Termin
16.01 bis 5.02.2012
Konzeption
Seit dem Bestehen der Künstlergruppe Rhein & artig verfolgen die Mitglieder eine
Konzeption, die sich thematisch eingehend auf den Veranstaltungsort bezieht und unmittelbar
an historische, ökonomische oder soziale und andere Aspekte anknüpft. Dabei entwickelt die
Gruppe eine originäre Installation im Kollektiv und verzichtet gänzlich auf Einzelbeiträge.
So konnten in der Vergangenheit unter anderem „Milchhäuschen“ (2oo3) und „musa ensete“ (2oo7)
realisiert werden. Für das aktuelle Projekt bespielt die Künstlergruppe in neuer
Zusammensetzung nun zum vierten Mal das Künstlerforum in Bonn und lädt zum Frühschwimmen ein.
Tatsächlich verwandelt eine Rauminstallation die komplette Ausstellungshalle in ein Schwimmbad.
Es ist geplant einen Eingangsbereich, Umkleide mit Wechselkabinen, Schränken und Duschbecken und
schließlich die große Schwimmhalle mit Sprungturm und Stoppuhr einzurichten. Die Gestaltung wird
ein gewaltiges Blau vorführen, das den zentralen Raum mit Badezimmerkacheln in Zyanblau tauchen
wird. Es kommt die komplette Ausstattung einer Badeanstalt hinzu, abgeteilte Bahnen, Sprungbrett
und Abtrennungen mit schwimmenden Ketten. Im Vorraum muss der Ausstellungsbesucher sich gebührend
auf das Betreten der Installation vorbereiten und eine Einlassschranke durchlaufen, um sich in der
Umkleide auf das folgende Vergnügen vorzubesinnen: Schuhe ablegen, Kleider wechseln, und durch die
Nasszelle der Vorreinigung den Weg finden zum Frühschwimmbecken. Es wird gebeten auf eine angemessene
Garderobe zu achten und diese mitzubringen. Das Benutzen einer Badehaube ist nicht nötig. Das
Mitbringen von größeren Schwimmhilfen, wie Luftmatratzen oder Autoreifen ist aus Sicherheitsgründen
untersagt. Schwimmbadgeräusche sind zu hören, Wasserrauschen, Stimmen, Lautsprecherdurchsagen, das,
was im Bad zu hören ist.
Die Präsentation spielt mit der Illusion eines Schwimmbads. Dabei werden zwei Räume in eine starke
und eindeutige Farbe gestellt. Der Vorraum bekommt ein intensives Lindgrün im Stil der Sechziger, eine
Farbgestaltung in Anlehnung an Bonner Sportstätten und der Hauptraum wird mit kräftigem Kachelblau
eingerichtet. Der Besucher wird in einen großen Farbraum treten und kann dort in einem ungewöhnlichen
Blauerlebnis schwimmen. Dabei ist die Farbe real und gleichzeitig assoziativ und sogar halbwegs
funktional. Neben dem konzeptionellen Inhalt wird diese sinnliche Note einen großen Eindruck machen.
Die Installation wird bewusst als vermeintliche Täuschung mit Modellcharakter und als Spielwiese mit
subversivem Milieu vorgestellt.
Diese Ausstellung greift zudem inhaltlich in die aktuelle Diskussion über die Sparmaßnahmen der Stadt
Bonn ein, wo bereits Streichungen und Schließungen von Schwimmbädern durchgeführt und gegen Sparmaßnahmen
im Kulturbereich ausgespielt werden. So wurde das Viktoriabad in der Innenstadt geschlossen, diverse
kulturelle Einrichtungen stehen zur Disposition. Unsere Ausstellung pointiert und parodiert nun den
Versuch kulturelle Einrichtungen und sportliche Veranstaltungsorte zu bündeln. Während im Frankenbad
nebenan ein August Macke Bild angebracht wurde, führen wir in unserer Schau ein neues städtisches
Schwimmbad in musealem Kontext vor. Die Ausstellung wird beiden Leidensgruppen gerecht: Schwimmen wird
nicht durch Kultur verdrängt, Kultur darf bleiben, es darf geschwommen werden Wir leisten der Stadt die
Illusion eines Schwimmbades.
rhein & artig
Webseite rhein & artig
Tatsächlich verwandelt eine Rauminstallation die komplette Ausstellungshalle in ein Schwimmbad. Es ist geplant einen Eingangsbereich, Umkleide mit Wechselkabinen, Schränken und Duschbecken und schließlich die große Schwimmhalle mit Sprungturm und Stoppuhr einzurichten. Die Gestaltung wird ein gewaltiges Blau vorführen, das den zentralen Raum mit Badezimmerkacheln in Zyanblau tauchen wird. Es kommt die komplette Ausstattung einer Badeanstalt hinzu, abgeteilte Bahnen, Sprungbrett und Abtrennungen mit schwimmenden Ketten. Im Vorraum muss der Ausstellungsbesucher sich gebührend auf das Betreten der Installation vorbereiten und eine Einlassschranke durchlaufen, um sich in der Umkleide auf das folgende Vergnügen vorzubesinnen: Schuhe ablegen, Kleider wechseln, und durch die Nasszelle der Vorreinigung den Weg finden zum Frühschwimmbecken. Es wird gebeten auf eine angemessene Garderobe zu achten und diese mitzubringen. Das Benutzen einer Badehaube ist nicht nötig. Das Mitbringen von größeren Schwimmhilfen, wie Luftmatratzen oder Autoreifen ist aus Sicherheitsgründen untersagt. Schwimmbadgeräusche sind zu hören, Wasserrauschen, Stimmen, Lautsprecherdurchsagen, das, was im Bad zu hören ist.
Die Präsentation spielt mit der Illusion eines Schwimmbads. Dabei werden zwei Räume in eine starke und eindeutige Farbe gestellt. Der Vorraum bekommt ein intensives Lindgrün im Stil der Sechziger, eine Farbgestaltung in Anlehnung an Bonner Sportstätten und der Hauptraum wird mit kräftigem Kachelblau eingerichtet. Der Besucher wird in einen großen Farbraum treten und kann dort in einem ungewöhnlichen Blauerlebnis schwimmen. Dabei ist die Farbe real und gleichzeitig assoziativ und sogar halbwegs funktional. Neben dem konzeptionellen Inhalt wird diese sinnliche Note einen großen Eindruck machen. Die Installation wird bewusst als vermeintliche Täuschung mit Modellcharakter und als Spielwiese mit subversivem Milieu vorgestellt.
Diese Ausstellung greift zudem inhaltlich in die aktuelle Diskussion über die Sparmaßnahmen der Stadt Bonn ein, wo bereits Streichungen und Schließungen von Schwimmbädern durchgeführt und gegen Sparmaßnahmen im Kulturbereich ausgespielt werden. So wurde das Viktoriabad in der Innenstadt geschlossen, diverse kulturelle Einrichtungen stehen zur Disposition. Unsere Ausstellung pointiert und parodiert nun den Versuch kulturelle Einrichtungen und sportliche Veranstaltungsorte zu bündeln. Während im Frankenbad nebenan ein August Macke Bild angebracht wurde, führen wir in unserer Schau ein neues städtisches Schwimmbad in musealem Kontext vor. Die Ausstellung wird beiden Leidensgruppen gerecht: Schwimmen wird nicht durch Kultur verdrängt, Kultur darf bleiben, es darf geschwommen werden Wir leisten der Stadt die Illusion eines Schwimmbades.
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MBWA Galeria Leszno / Polen mit Anna Tyczyńska
Confessions | Geständnisse
Susanne Krell – Bonn | Anna Tyczyńska - Poznań
MBWA Galeria Leszno | Polen | 4. - 25. März 2008
Maße
B 30 cm T 35 cm H 35 cm
Material
Plexiglas, verschiedene Stoffe, CD- Player, Lampen
10 kleine simple Häuser, wie ein Kind sie zeichnen würde, stehen auf dem Boden,
verteilt im Raum. Die Häuser sind mit verschiedenen Stoffen bezogen, kariert, geblümt,
gestreift. Sie leuchten im Dunkel. Aus den Häusern hört man leise Stimmen. Frauen –
polnische und deutsche - erzählen ihre Geschichten. Sie erzählen von Liebe, Träumen,
Mutter-Tochtersein, Ehemann, Partner, Sex, Zuhause, Job, Karriere, Hobby.
Es sind sehr verschiedene Frauen. Es sind sehr verschiedene Geschichten. Jedes menschliche
Sein trägt eine Geschichte in sich. Jede Geschichte ist interessant und faszinierend.
Anna Tyczyńska - Poznań und Susanne Krell - Bonn haben das Projekt über die Grenzen hin im
langen Austausch gemeinsam entwickelt. Per Email wurden Texte, Skizzen und Photos hin- und
hergeschickt, kommentiert und weiterbearbeitet.
Nach der Vorstellung in Hamburg ist dies zweite Präsentation des Projektes.
Es sind sehr verschiedene Frauen. Es sind sehr verschiedene Geschichten. Jedes menschliche Sein trägt eine Geschichte in sich. Jede Geschichte ist interessant und faszinierend.
Anna Tyczyńska - Poznań und Susanne Krell - Bonn haben das Projekt über die Grenzen hin im langen Austausch gemeinsam entwickelt. Per Email wurden Texte, Skizzen und Photos hin- und hergeschickt, kommentiert und weiterbearbeitet.
Nach der Vorstellung in Hamburg ist dies zweite Präsentation des Projektes.
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rhein+artig im Künstlerforum Bonn
Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg mit Anna Tyczyńska
Confessions | Geständnisse
Susanne Krell – Bonn | Anna Tyczyńska - Poznań
Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg | 13. – 22. Oktober 2006
Maße
B 30 cm T 35 cm H 35 cm
Material
Plexiglas, verschiedene Stoffe, CD- Player, Lampen
10 kleine simple Häuser, wie ein Kind sie zeichnen würde, stehen auf einem Tisch.
Sie sind durchsichtig, aus Plexiglas. Innen liegen CD-Player. Die Ohrhöhrer können
benutzt werden.
In den Häusern hört man leise Stimmen. Frauen – polnische und deutsche - erzählen
ihre Geschichten. Sie erzählen von Liebe, Träumen, Mutter-Tochtersein, Ehemann, Partner,
Sex, Zuhause, Job, Karriere, Hobby.
Es sind sehr verschiedene Frauen. Es sind sehr verschiedene Geschichten. Jedes
menschliche Sein trägt eine Geschichte in sich. Jede Geschichte ist interessant und
faszinierend.
Anna Tyczyńska - Poznań und Susanne Krell - Bonn haben das Projekt über die Grenzen
hin im langen Austausch gemeinsam entwickelt. Per Email wurden Texte, Skizzen und
Photos hin- und hergeschickt, kommentiert und weiterbearbeitet. Kennengelernt haben
sich Krell und Tyczyńska bei einem internationalen Projekt in Frankreich und dies ist
die erste gemeinsame Arbeit.
In den Häusern hört man leise Stimmen. Frauen – polnische und deutsche - erzählen ihre Geschichten. Sie erzählen von Liebe, Träumen, Mutter-Tochtersein, Ehemann, Partner, Sex, Zuhause, Job, Karriere, Hobby.
Es sind sehr verschiedene Frauen. Es sind sehr verschiedene Geschichten. Jedes menschliche Sein trägt eine Geschichte in sich. Jede Geschichte ist interessant und faszinierend.
Anna Tyczyńska - Poznań und Susanne Krell - Bonn haben das Projekt über die Grenzen hin im langen Austausch gemeinsam entwickelt. Per Email wurden Texte, Skizzen und Photos hin- und hergeschickt, kommentiert und weiterbearbeitet. Kennengelernt haben sich Krell und Tyczyńska bei einem internationalen Projekt in Frankreich und dies ist die erste gemeinsame Arbeit.
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Kulturzentrum Hardtberg mit Manfred Bogner
Schwebebalken
Susanne Krell und Manfred Bogner präsentieren im Bonner Kulturzentrum Hardtberg „Schwebebalken“
- eine Rauminstallation, die mehr ist als ein Bild oder eine Skulptur, sondern die Konfrontation
mit einer verkehrten Welt.
Fluchtpunkte der Installation sind die fast unsichtbaren Nylonfäden der Hängung. Ihre Maße und
Ausmaße gehen über die bloße Berechnung und Funktionalität des Erforderlichen hinaus. Sie erhalten
selbst eine ästhetische Qualität im Raum. Vom hohen, später erst eingebauten Stützgebälk unterm
Spitzdach hinunter, über den Köpfen der Besucher, beträgt die Länge der Aufhängung inclusive der
Objekte fünf Meter, von der Spitze bis zum Boden, auf dem die Schwerkraft den Betrachter hält,
beträgt die Gesamtdistanz acht Meter. An diesem überlangen Fäden hängen die Alltagsgegenstände in
Umkehrung, aber so genau miteinander abgestimmt, wie nur irgend möglich, in einer unsichtbaren Ebene,
drei Tische und 15 Stühle, in lockeren Gruppierungen, zwischen präziser Objektinstallation und
freiem Mobile, die Beine nach oben, zum Himmel der Hängung hinauf gerichtet. Dabei gibt das
schwebende Mobiliar nicht nur ein künstlerisches Bild, ein Zeichen von verwendbaren Gegenständen
ab, mit den Spuren und Schrammen ihrer materiellen Benutzung, ihres tagtäglichen Gebrauchs. Alle
Objekte sind der Erdenschwere enthoben, an den Nylonfäden wie an einem Gespinst sorgfältig
festgeknüpft, als vom luftigen Gebälk her austarierte Massen und Gewichte, die aus der Haftung
ihres alten Kontextes in die undefinierbare Höhe entschweben. Oder sie sind kurz vor der unsanften
Landung auf dem Boden in einer Höhe von drei Meter zum Stillstand gekommen, wie durch Zauberhand,
in einer eingefrorenen Varieteenummer, die den zeitbegrenzten Schwebezustand der Magie zur
Dauersituation der Entrückung, des Entzuges, der festgefügten Schwebe macht, zum Balken im eigenen
Auge, der uns offenbart, daß wir die Konstruktion unserer Alltagswelt nach Regeln zimmern, die die
Kunst mit ihren verblüffenden Gestaltungsmitteln jederzeit außer Kraft setzen kann.
Krell und Bogner verändern die Koordinaten des architektonischen Raums. Sie verschieben den Focus
dieses wunderbar offenen Gebäudes, des in seiner Geschichte so vielerlei geselligen und künstlerischen
Zwecken dienlichen, schmucken Gehäuses, das mich in meiner Duisdorfer und Bonner Jugend immer ein
wenig an die künstlerische Faltung einer Lebkuchenverpackung erinnert hat.
Der Schwerkraft zu trotzen, dies gelingt den Kindern im Traum, und Dichter, Maler und Filmemacher
haben uns dies und werden uns dies immer wieder erfolgreich demonstrieren.
Selbst auf einem großformatigen Bild oder einer plastisch-skulpturalen Collage an einer senkrechten
Wand ist der Effekt, den die Künstler uns bescheren, nicht so intensiv. Der Anblick ist immer eine
Aufsicht, unsere Sinnesorgane bleiben stabil, die Augen mögen uns allein durch die Anlage der
Komposition, den Rhythmus der Elemente, die Anordnung der Farben und Formen übergehen. Die
Gestaltung und die Erfahrung der Kunst bleibt insofern einem mehr oder minder übersichtlichen
Bildraum verpflichtet.
Aber Krell und Bogner streben eine radikalere Erfahrung eines Raumbildes an und deshalb haben sie
auch auf jedes Schwelgen mit dem schwebenden Material, auf jeden stärkeren gestalterischen Eingriff
am Objekt verzichtet. Alles bleibt so, wie es ist, und doch ist es ganz anders allein durch das
Arrangement einer weitläufigen Hängung, die sich über uns im Raum wölbt.
Wenn man so will, ist ihre Kunst der fast unmerklichen Umgestaltung des Erfahrungsraums Architektur
nicht nur eine visuelle, formale Operation, ein Arbeiten mit optischen Ornamenten und Formaten. Darin
geht ihr Ansatz über die klassische Moderne hinaus und ist insofern allen Künstlerinnen und Künstlern,
die sich mit dem Projekt des Environments befaßt haben, verpflichtet.
Vielmehr ist ihre Kunst räumlich und zugleich körperlich, ja in diesem Falle geradezu sportlich gemeint,
ein Akt auf dem Schwebebalken, auf dem sich die Turnerinnen und Turner ja auch bar jeder größeren
optisch erfaßbaren Bewegungsfläche in eng abgezirkelten Figuren und kraftvollen Balanceakten auf einer
ganzheitlich, vor allem körperlich-muskulär wahrzunehmenden Linie halten müssen.
Krell und Bogner geht es um die Wiederentdeckung der leiblichen Anstrengung des Sehens und Wahrnehmens
in einem künstlerisch umgestalten Alltagsraum, der außeralltägliche Dimensionen enthüllt. Um die
Dialektik von leibhafter Anspannung und Konzentration, um die ästhetische Eroberung von sinnlichen
Perspektiven und geistigen Haltepunkten durch eine meditative Anwesenheit an einem bestimmten Ort.
Die zweigeschössige Hängung - mit dem Abstand von drei Metern zwischen den Objekten und dem Boden und
der Distanz von fünfMetern zwischen den Gegenständen und dem Dachgebälk - schafft einen bodenlosen Korridor
der Gegenstände und Gruppen, die luftige Landkarte einer Gegenwelt, an der wir Bodenbeobachter uns neu
ausrichten müssen. Der erhobene Kopf entautomatisiert die Gewohnheit des Betrachters. Der stolze,
aufrechte Gang des Museums- und Galeriebesuchers wird aus dem Takt gebracht. Das Gesehene kostet Mühe,
der Bewegungs- und Sehapparat verliert die Koordination. Das Bild vom Stuhl, der Überblick aus der
Unterperspektive impliziert einen Salto Mortale in der Verkehrung des Objekts. Wir sehen, fast greifbar,
was wir nicht mehr benutzen können, verdreht und müssen uns dabei doch selbst verbiegen. Die
Sitzgelegenheit im festgebannten Flug vor dem kahlgefegten Tisch, von dessen vernutzter Platte alle
Diesseitigkeit des Alltags abgefallen ist. Wir fliegen mit dem Blick und stehen angestrengt im Raum.
Wir erfahren uns selbst als festgebannte Objekte und erleben das Ende der Zuhandenheit der Dinge, die
unser Augenmerk auf die labyrinthische Anarchie des Gebälks am Himmel lenken, der wie ein magnetischer
Puppenspieler sich gegen die Gewohnheiten der Lebewesen am Boden verschworen hat. Den Raum und die Höhe
sinnlich erfahrbar zu machen in der subtilen Verschiebung der physischen, ästhetischen und sozialen
Achsen und Orientierungen, das ist Susanne Krell und Manfred Bogner hier und jetzt in einer neuen Kunst
am Ort gelungen.
Peter V. Brinkemper
Fluchtpunkte der Installation sind die fast unsichtbaren Nylonfäden der Hängung. Ihre Maße und Ausmaße gehen über die bloße Berechnung und Funktionalität des Erforderlichen hinaus. Sie erhalten selbst eine ästhetische Qualität im Raum. Vom hohen, später erst eingebauten Stützgebälk unterm Spitzdach hinunter, über den Köpfen der Besucher, beträgt die Länge der Aufhängung inclusive der Objekte fünf Meter, von der Spitze bis zum Boden, auf dem die Schwerkraft den Betrachter hält, beträgt die Gesamtdistanz acht Meter. An diesem überlangen Fäden hängen die Alltagsgegenstände in Umkehrung, aber so genau miteinander abgestimmt, wie nur irgend möglich, in einer unsichtbaren Ebene, drei Tische und 15 Stühle, in lockeren Gruppierungen, zwischen präziser Objektinstallation und freiem Mobile, die Beine nach oben, zum Himmel der Hängung hinauf gerichtet. Dabei gibt das schwebende Mobiliar nicht nur ein künstlerisches Bild, ein Zeichen von verwendbaren Gegenständen ab, mit den Spuren und Schrammen ihrer materiellen Benutzung, ihres tagtäglichen Gebrauchs. Alle Objekte sind der Erdenschwere enthoben, an den Nylonfäden wie an einem Gespinst sorgfältig festgeknüpft, als vom luftigen Gebälk her austarierte Massen und Gewichte, die aus der Haftung ihres alten Kontextes in die undefinierbare Höhe entschweben. Oder sie sind kurz vor der unsanften Landung auf dem Boden in einer Höhe von drei Meter zum Stillstand gekommen, wie durch Zauberhand, in einer eingefrorenen Varieteenummer, die den zeitbegrenzten Schwebezustand der Magie zur Dauersituation der Entrückung, des Entzuges, der festgefügten Schwebe macht, zum Balken im eigenen Auge, der uns offenbart, daß wir die Konstruktion unserer Alltagswelt nach Regeln zimmern, die die Kunst mit ihren verblüffenden Gestaltungsmitteln jederzeit außer Kraft setzen kann.
Krell und Bogner verändern die Koordinaten des architektonischen Raums. Sie verschieben den Focus dieses wunderbar offenen Gebäudes, des in seiner Geschichte so vielerlei geselligen und künstlerischen Zwecken dienlichen, schmucken Gehäuses, das mich in meiner Duisdorfer und Bonner Jugend immer ein wenig an die künstlerische Faltung einer Lebkuchenverpackung erinnert hat.
Der Schwerkraft zu trotzen, dies gelingt den Kindern im Traum, und Dichter, Maler und Filmemacher haben uns dies und werden uns dies immer wieder erfolgreich demonstrieren.
Selbst auf einem großformatigen Bild oder einer plastisch-skulpturalen Collage an einer senkrechten Wand ist der Effekt, den die Künstler uns bescheren, nicht so intensiv. Der Anblick ist immer eine Aufsicht, unsere Sinnesorgane bleiben stabil, die Augen mögen uns allein durch die Anlage der Komposition, den Rhythmus der Elemente, die Anordnung der Farben und Formen übergehen. Die Gestaltung und die Erfahrung der Kunst bleibt insofern einem mehr oder minder übersichtlichen Bildraum verpflichtet.
Aber Krell und Bogner streben eine radikalere Erfahrung eines Raumbildes an und deshalb haben sie auch auf jedes Schwelgen mit dem schwebenden Material, auf jeden stärkeren gestalterischen Eingriff am Objekt verzichtet. Alles bleibt so, wie es ist, und doch ist es ganz anders allein durch das Arrangement einer weitläufigen Hängung, die sich über uns im Raum wölbt.
Wenn man so will, ist ihre Kunst der fast unmerklichen Umgestaltung des Erfahrungsraums Architektur nicht nur eine visuelle, formale Operation, ein Arbeiten mit optischen Ornamenten und Formaten. Darin geht ihr Ansatz über die klassische Moderne hinaus und ist insofern allen Künstlerinnen und Künstlern, die sich mit dem Projekt des Environments befaßt haben, verpflichtet.
Vielmehr ist ihre Kunst räumlich und zugleich körperlich, ja in diesem Falle geradezu sportlich gemeint, ein Akt auf dem Schwebebalken, auf dem sich die Turnerinnen und Turner ja auch bar jeder größeren optisch erfaßbaren Bewegungsfläche in eng abgezirkelten Figuren und kraftvollen Balanceakten auf einer ganzheitlich, vor allem körperlich-muskulär wahrzunehmenden Linie halten müssen.
Krell und Bogner geht es um die Wiederentdeckung der leiblichen Anstrengung des Sehens und Wahrnehmens in einem künstlerisch umgestalten Alltagsraum, der außeralltägliche Dimensionen enthüllt. Um die Dialektik von leibhafter Anspannung und Konzentration, um die ästhetische Eroberung von sinnlichen Perspektiven und geistigen Haltepunkten durch eine meditative Anwesenheit an einem bestimmten Ort.
Die zweigeschössige Hängung - mit dem Abstand von drei Metern zwischen den Objekten und dem Boden und der Distanz von fünfMetern zwischen den Gegenständen und dem Dachgebälk - schafft einen bodenlosen Korridor der Gegenstände und Gruppen, die luftige Landkarte einer Gegenwelt, an der wir Bodenbeobachter uns neu ausrichten müssen. Der erhobene Kopf entautomatisiert die Gewohnheit des Betrachters. Der stolze, aufrechte Gang des Museums- und Galeriebesuchers wird aus dem Takt gebracht. Das Gesehene kostet Mühe, der Bewegungs- und Sehapparat verliert die Koordination. Das Bild vom Stuhl, der Überblick aus der Unterperspektive impliziert einen Salto Mortale in der Verkehrung des Objekts. Wir sehen, fast greifbar, was wir nicht mehr benutzen können, verdreht und müssen uns dabei doch selbst verbiegen. Die Sitzgelegenheit im festgebannten Flug vor dem kahlgefegten Tisch, von dessen vernutzter Platte alle Diesseitigkeit des Alltags abgefallen ist. Wir fliegen mit dem Blick und stehen angestrengt im Raum. Wir erfahren uns selbst als festgebannte Objekte und erleben das Ende der Zuhandenheit der Dinge, die unser Augenmerk auf die labyrinthische Anarchie des Gebälks am Himmel lenken, der wie ein magnetischer Puppenspieler sich gegen die Gewohnheiten der Lebewesen am Boden verschworen hat. Den Raum und die Höhe sinnlich erfahrbar zu machen in der subtilen Verschiebung der physischen, ästhetischen und sozialen Achsen und Orientierungen, das ist Susanne Krell und Manfred Bogner hier und jetzt in einer neuen Kunst am Ort gelungen.
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Kultursommer Rheinland- Pfalz mit Manfred Bogner
..etwas zu Rommersdorf
Rauminstallation in der ehemaligen Abtei Rommersdorf Neuwied 1997
Zur Installation
Eine fünfteilige Installation macht das Kirchenschiff erfahrbar. Dort, wo ehemals der
Mittelgang zwischen den Bänken vom Westportal zur Ostapsis führte steht eine Ruhebank von 24 m.
Sie ist bespannt mit Blueboxstoff in Königsblau und lädt den Betrachter zum Verweilen ein.
Zugleich ist sie die Visualisierung und Materialisierung des einstigen Mittelganges. Krell und
Bogner spielen in diesem Zusammenhang noch weiter mit den Begriffen ‘Sichtbar’ und
‘Entmaterialisierung’, denn der Blueboxsstoff, der als Hintergrund im Fernsehbereich Verwendung
findet, löst die Grenzen des Gegenstandes auf was wiederum zu einer Entmaterialisierung führt.
Die farblich in einem warmen Gelb-Rot strahlenden Wandkissen haben ebenfalls Aufforderungscharakter.
Diese aus Schaumstoff gefrästen und mit der linken Seite von dehnbarem Stoff überzogenen
kissenähnlichen Objekte hängen in unterschiedlichen Höhen an der Nord- und Südwand des Kirchenschiffs.
Die Mauern sind optisch wie haptisch ein Erlebnis durch ihre Strukturen wie etwa die zugemauerten
Rundbögen, die einst zum südlichen Seitenschiff führten, durch die Bruchsteine, durch die
unterschiedlichen Putzschichten sowie durch die Vielfalt der Farbnuancen dieser Steinoberflächen.
Die Kissen laden ein zum Näherkommen und zum Besehen, zum Begreifen von Materie und letztlich auch
von Geschichte.
Ebenfalls stoffliche und damit taktile Qualität haben die Handobjekte in gebrochenen Grün- und
Blauwerten, die dem Besucher als ‘Begleitobjekte’ durch die Installation eine spielerische Vertrautheit
geben können und - abgelegt auf der Ruhebank - einen weiteren optischen Akzent ermöglichen.
Das immaterielle Lichtspiel ist gebunden an den Lichteinfall aus einem Obergadenfenster der Südwand.
Es ist ein kleiner orangeroter Fleck, der Assoziationen von Lichtspielen gotischer Kirchenfenster
hervorruft. Der Lichtfleck fällt durch eine Scheibe des Obergadenfensters auf den Boden nahe der
Nordwand und verändert sich je nach Tageszeit.
Im südlichen Vierungsbogen, der nicht zugemauert sondern offen blieb, erwartet den Besucher ein
Kokon. Ein kleiner intimer Raum in einem ansonsten so gewaltigen Kirchenraum. Eine Zelle gleichsam,
in die der Betrachter hinein schlüpfen und sich völlig umsponnen, auf sich und damit auf die kleinste
Einheit in diesem Gedankengebäude zurückziehen kann. Ob als Assoziation die Zelle, der Beichtstuhl oder
weiterführenden Überlegungen aufkommen, bleibt jedem Betrachter überlassen, der sich in der Intimität
dieses zylindrisches Gehäuses aus einer mit Stoff umspannten, etwa zwei Meter hohen Holzkonstruktion
für eine Weile ‘ein- bzw. abkapselt’. Für die äußere Stoffhülle wählten die Künstler einen Braunton,
der Umgebung angepaßt, für die innere Stoffhülle ein weiteres Mal Gelb, wie bei den Wandobjekten.
So entsteht ein dunkles Außen und ein helles Innen. Auch dies ist nicht zufällig gewählt und läßt
weitere Deutungen zu.
Zusammen mit der Ruhebank, den Wandkissen und den Handobjekten initiieren die beiden Künstler damit
ein Wechselspiel zwischen Objekt und Nutzobjekt. Dazu gehört bedingt auch das Kreuz am Ende des
Kirchenschiffs, in der lichtdurchfluteten Ostapsis. Das Holzkreuz bestimmt als Relikt einer
ursprünglichen Sinngebung diesen Ausstellungsraum. Es ist von Krell und Bogner als Installationsobjekt
mit einbezogen und an der Frontseite durch Spiegelfolie kaschiert. Je nach Tageszeit wird es vom Licht
überstrahlt oder dunkel belassen. So bleibt es bei aller Säkularisation ein wichtiger und zudem
originärer Teil des Raumes. Der Betrachter kann es - nicht zuletzt von erhöhtem Standpunkt erreichbar
über zwei kleine, von den Künstlern gefertigten Treppen - von den Seiten und der Frontseite besehen.
Im Vorbeigehen findet er dann für einen kurzen Moment sein Spiegelbild ausschnitthaft auf dem
Spiegelkreuz. Die ikonographische Bedeutung bezieht den Vanitas-Gedanken sicherlich mit ein.
Damit schließt sich zugleich der Rundgang in diesem Raum. Ein Gang, dem neben dem Entdeckenlassenden
- Erleben immer auch Meditatives immanent ist. Zu Greifen und zu Begreifen, zu Sehen, zu Entdecken
und zu Erkennen soll dem Betrachter ermöglicht werden, in einer Welt, die das sinnlich Taktile im
Alltag nahezu eliminiert. Anders als in Museen, darf Kunst hier nicht nur geschaut sondern auch
berührt und benutzt werden. Damit verknüpfen die beiden Künstler einen sehr ursprünglichen Gedanken:
In einem alten Kirchenraum entsteht ein Wechselspiel mit ihren ureigensten künstlerischen Ideen und
persönlichen Empfindungen, ein Stück unserer Zeit.
Die farblich in einem warmen Gelb-Rot strahlenden Wandkissen haben ebenfalls Aufforderungscharakter. Diese aus Schaumstoff gefrästen und mit der linken Seite von dehnbarem Stoff überzogenen kissenähnlichen Objekte hängen in unterschiedlichen Höhen an der Nord- und Südwand des Kirchenschiffs. Die Mauern sind optisch wie haptisch ein Erlebnis durch ihre Strukturen wie etwa die zugemauerten Rundbögen, die einst zum südlichen Seitenschiff führten, durch die Bruchsteine, durch die unterschiedlichen Putzschichten sowie durch die Vielfalt der Farbnuancen dieser Steinoberflächen. Die Kissen laden ein zum Näherkommen und zum Besehen, zum Begreifen von Materie und letztlich auch von Geschichte.
Ebenfalls stoffliche und damit taktile Qualität haben die Handobjekte in gebrochenen Grün- und Blauwerten, die dem Besucher als ‘Begleitobjekte’ durch die Installation eine spielerische Vertrautheit geben können und - abgelegt auf der Ruhebank - einen weiteren optischen Akzent ermöglichen.
Das immaterielle Lichtspiel ist gebunden an den Lichteinfall aus einem Obergadenfenster der Südwand. Es ist ein kleiner orangeroter Fleck, der Assoziationen von Lichtspielen gotischer Kirchenfenster hervorruft. Der Lichtfleck fällt durch eine Scheibe des Obergadenfensters auf den Boden nahe der Nordwand und verändert sich je nach Tageszeit.
Im südlichen Vierungsbogen, der nicht zugemauert sondern offen blieb, erwartet den Besucher ein Kokon. Ein kleiner intimer Raum in einem ansonsten so gewaltigen Kirchenraum. Eine Zelle gleichsam, in die der Betrachter hinein schlüpfen und sich völlig umsponnen, auf sich und damit auf die kleinste Einheit in diesem Gedankengebäude zurückziehen kann. Ob als Assoziation die Zelle, der Beichtstuhl oder weiterführenden Überlegungen aufkommen, bleibt jedem Betrachter überlassen, der sich in der Intimität dieses zylindrisches Gehäuses aus einer mit Stoff umspannten, etwa zwei Meter hohen Holzkonstruktion für eine Weile ‘ein- bzw. abkapselt’. Für die äußere Stoffhülle wählten die Künstler einen Braunton, der Umgebung angepaßt, für die innere Stoffhülle ein weiteres Mal Gelb, wie bei den Wandobjekten. So entsteht ein dunkles Außen und ein helles Innen. Auch dies ist nicht zufällig gewählt und läßt weitere Deutungen zu.
Zusammen mit der Ruhebank, den Wandkissen und den Handobjekten initiieren die beiden Künstler damit ein Wechselspiel zwischen Objekt und Nutzobjekt. Dazu gehört bedingt auch das Kreuz am Ende des Kirchenschiffs, in der lichtdurchfluteten Ostapsis. Das Holzkreuz bestimmt als Relikt einer ursprünglichen Sinngebung diesen Ausstellungsraum. Es ist von Krell und Bogner als Installationsobjekt mit einbezogen und an der Frontseite durch Spiegelfolie kaschiert. Je nach Tageszeit wird es vom Licht überstrahlt oder dunkel belassen. So bleibt es bei aller Säkularisation ein wichtiger und zudem originärer Teil des Raumes. Der Betrachter kann es - nicht zuletzt von erhöhtem Standpunkt erreichbar über zwei kleine, von den Künstlern gefertigten Treppen - von den Seiten und der Frontseite besehen. Im Vorbeigehen findet er dann für einen kurzen Moment sein Spiegelbild ausschnitthaft auf dem Spiegelkreuz. Die ikonographische Bedeutung bezieht den Vanitas-Gedanken sicherlich mit ein.
Damit schließt sich zugleich der Rundgang in diesem Raum. Ein Gang, dem neben dem Entdeckenlassenden - Erleben immer auch Meditatives immanent ist. Zu Greifen und zu Begreifen, zu Sehen, zu Entdecken und zu Erkennen soll dem Betrachter ermöglicht werden, in einer Welt, die das sinnlich Taktile im Alltag nahezu eliminiert. Anders als in Museen, darf Kunst hier nicht nur geschaut sondern auch berührt und benutzt werden. Damit verknüpfen die beiden Künstler einen sehr ursprünglichen Gedanken:
In einem alten Kirchenraum entsteht ein Wechselspiel mit ihren ureigensten künstlerischen Ideen und persönlichen Empfindungen, ein Stück unserer Zeit.